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APOCALYPTO. (pelicula subtitulada completa)

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Apocalypto (2006) es una película de ficción, ambientada en la cultura maya y rodada con diálogos en maya yucateco. Producida por los estudios Icon Entertainment y Touchstone Pictures, la película fue dirigida por Mel Gibson, estrenada el 8 de diciembre de ese mismo año y nominada al Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa. Se rodó en el estado de Veracruz: San Andrés Tuxtla, Catemaco y Paso Ovejas.

Sinopsis

Ambientada antes de la llegada de los conquistadores españoles, la historia narra una guerra florida, en la cual un pueblo captura a un grupo de prisioneros para sacrificarlos ritualmente. Una vez allí tiene lugar un eclipse de sol, hecho que es interpretado como una señal de los dioses para que finalice el sacrificio. Lejos de dejarlos con vida, los prisioneros deberán luchar por su vida en plena selva si no quieren morir de la manera más salvaje posible, pero el protagonista de esta cinta se describió como el rey del bosque quien sobrevivió al ataque de sus enemigos ocultándose en el bosque y plantando trampas para eliminarlos y así encontrar a sus dos hijos y a su esposa.

Polémica

El filme desató una furiosa polémica entre los estudiosos del mundo maya.1 Después, activistas indígenas de Guatemala pidieron al público que no acudiera a las salas. El 25 de enero de 2007 el periódico Reforma publicó la defensa de Gibson ante estos ataques:

No mostré ni la mitad de las cosas que leí. Leí acerca de una orgía de sacrificios: en cuatro días sacrificaron 20 000 personas. También tenían afición por empalar genitales y por torturar a personas durante años. Por ejemplo, si capturaban a un rey o a una reina de algún otro lugar, lo humillaban durante una década. Le cortaban los labios, le arrancaban la lengua, lo dejaban sin ojos ni orejas. Ah, y le comían los dedos. El tipo quedaba vivo, pero en un infierno sobre la Tierra, una masa balbuceante de terminales nerviosas. Después de nueve años de esto, lo enrollaban y lo dejaban caer por las escaleras del templo, y se hacía pedazos.

Mel Gibson se refiere a la Relación de las cosas de Yucatán (1566), del sacerdote católico franciscano Diego de Landa (1524-1579), donde afirma haber sido testigo de sacrificios humanos y de las costumbres de los mayas. El texto de Landa contradice las opiniones del padreBartolomé de las Casas (1474-1566), quien en su Breve resumen del descubrimiento y destrucción de las Indias (1542) cuenta acerca de la naturaleza y costumbres de los pueblos originarios de América Central. Algunos estudiosos del mundo maya están en desacuerdo con lavisión romántica que persiste sobre los mayas. «Los primeros investigadores trataron de hacer una distinción entre los “pacíficos” mayas y las “brutales” culturas de México central», escribió David Stuart en un artículo de 2003. «Decían incluso que el sacrificio humano era raro entre los mayas». Sin embargo, tanto en las tallas en piedra como en las pinturas murales, afirma Stuart:

hemos encontrado más y más similitudes entre los aztecas y los mayas,

incluida una ceremonia maya en que un sacerdote grotescamente ataviado le saca las entrañas a una víctima aparentemente viva durante un sacrificio2 e incluso sacrificios de niños.3

De hecho, en los rituales mayas los prisioneros de guerra eran sacrificados «en la cima de la pirámide […] sosteniendo sus brazos y piernas mientras un sacerdote les abría el pecho con un cuchillo sacrificial y arrancaba el corazón como una ofrenda».4 En la misma prensa mexicana, en un artículo de Reforma, Juan E. Pardinas escribió:

La mala noticia es que esta interpretación histórica tiene alguna dosis de realidad […]. Los personajes de Mel Gibson se parecen más a los mayas de los murales de Bonampak que a los que aparecen en los libros de la SEP.5

El debate entre los especialistas continúa hasta hoy día. Desde que se descifraron los jeroglíficos la visión del mundo maya ha cambiado.Michael Coe explica el gran cambio producido por los nuevos estudios de la civilización maya:

Ahora es sorprendentemente claro que los mayas de la época clásica, y sus antecesores del preclásico, eran gobernados por dinastías hereditarias de guerreros, para quienes el autosacrificio y el derramamiento de la sangre, y el sacrificio de ladecapitación humana, eran obsesiones supremas.6
Fuente: www.wikipedia.org


Macario

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Sinopsis:
El campesino Macario vive obsesionado por su pobreza y por la idea de la muerte. Obstinado, decide aguantarse el hambre hasta no encontrar un guajolote que se pueda comer él solo. Su mujer roba uno y Macario sale al bosque a comérselo. Allí se niega a compartirlo con Dios y con el Diablo y sólo lo hace cuando se le aparece la Muerte. Agradecida, la Muerte entrega a Macario un agua curativa con la que el campesino comenzará a hacer milagros.

Comentario:
Macario fue una de las películas mexicanas más célebres de su tiempo y la primera cinta de este país en ser nominada al Oscar de la Academia de Hollywood en la categoría de mejor película en lengua extranjera. Sin embargo, la crítica revisionista que surgió en México a principios de los años sesenta acusó a la película y a su director de un exceso de preciosismo y artificialidad. Estas apreciaciones condujeron a un prematuro desprestigio del cine de Roberto Gavaldón, quien una década atrás había sido uno de los directores más respetados de la industria fílmica mexicana.

Por algunos años, Macario fue considerada como una película hecha para satisfacer el gusto extranjero, triunfar en festivales y subrayar un nacionalismo anacrónico y nada moderno. Luego, en los años ochenta, Gavaldón fue revalorado y sus películas –Macario incluida- apreciadas por las mismas razones que anteriormente fueron criticadas.

En todo caso, las actuaciones de López Tarso y Pina Pellicer en Macario no pasaron desapercibidas y fueron apreciadas positivamente por los mismos críticos que denostaron la cinta:

Lástima de ver desaprovechados a Ignacio López Tarso, que por su figura y sobria actuación recuerda algo a Gary Cooper, y a la hermosa Pina Pellicer, cuya interpretación sería más interior si ese director formalista y vacío que es Gavaldón se lo permitiera.
José de la Colina, en García Riera, E. (1994). Historia documental del cine mexicano. Vol. 10: 1959-1960, México: Universidad de Guadalajara, pp. 105-106.
En Macario, destaca el tono que Pina Pellicer imprime a su actuación, el cual la aleja por completo del estereotipo de la mujer abnegada y sacrificada que era típico en el cine mexicano de la época. A diferencia de otros personajes femeninos semejantes -como la Paloma interpretada por Columba Domínguez en Pueblerina (1948) de Emilio Fernández, o la Soledad creada por Stella Inda para El rebozo de Soledad (1952) del propio Gavaldón- la mujer de Macario no se conforma con quedarse en la sombra y compartir en silencio el sufrimiento de su marido. Por el contrario, ella actúa y resuelve la frustración del hombre, robando un guajolote y cocinándolo sólo para él.

La Muerte, el otro gran personaje de Macario, es interpretada por Enrique Lucero con dosis iguales de sobriedad y sentido del humor, sin el acartonamiento que desafortunadamente es visible en el resto del cuadro de actores. La interpretación del actor fue tan acertada que, varias décadas después, seguía siendo recordada como una de las grandes actuaciones del cine mexicano.

Por su parte, los soberbios claroscuros fotografiados por Figueroa alcanzan en esta cinta niveles de belleza plástica tan sublimes, que han sido comparados por algunos críticos con la pintura de Rembrandt, Velázquez y Goya.

Aunque un tanto excesiva en su preciosismo folclorista, Macario sigue siendo una cinta sumamente disfrutable y se destaca como ejemplo del mejor cine industrial mexicano: de aquel que iniciaba su declive en la época en que Macario fue filmada.

Reparto:



Ignacio López Tarso ...
Macario
Pina Pellicer ....
esposa de Macario
Enrique Lucero ....
la Muerte
Mario Alberto Rodríguez ....
don Ramiro
Enrique García Álvarez ....
inquisidor
Eduardo Fajardo ....
virrey
José Gálvez ....
el Diablo
Consuelo Frank ....
virreina
José Luis Jiménez ....
Dios
Wally Barrón ....
panadero
Sonia Infante ....
esposa de don Ramiro
Manuel Dondé ....
enviado de la Inquisición
Miguel Arenas ....

inquisidor
Luis Aceves Castañeda ....
verdugo
José Dupeyrón
Celia Tejeda
Manuel Noriega
Mario García González
Alicia del Lago
Pepe y sus marionetas

Fuente: http://cinemexicano.mty.itesm.mx/peliculas/macario.html



















La lista de Schindler.

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La lista de Schindler




La lista de Schindler es una película biográfica de 1993 dirigida por Steven Spielberg que cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de un millar de judíos polacos durante el Holocausto. Está basada en la novela El arca de Schindler (Schindler's Ark), escrita por Thomas Keneally. Fue protagonizada por Liam Neeson (como Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las SS Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley (el contable de Schindler, Itzhak Stern). La película ganó siete premios Oscar, incluido el de mejor película, el de mejor director y el de mejor banda sonora; también ganó 7 Premios BAFTA y 3 Globos de Oro.

Sinopsis Se relata la historia de un empresario de origen alemán, Oskar Schindler (interpretado por Liam Neeson), miembro del Partido Nazi quien acababa de llegar a Cracovia. Inicialmente se aprovecha de la situación en Polonia (recientemente invadida por el ejército nazi) para crear una fábrica de artículos de cocina, y para ello llega a un acuerdo con el director de un campo de trabajos forzados para usar mano de obra judía proveniente del ghetto de Cracovia, la opción de trabajo más económica disponible. Schindler depende de su contable judío, Itzhak Stern (interpretado por Ben Kingsley).

Pero pronto, Oskar intenta ayudar a sus trabajadores con todo lo que puede impidiendo que vayan al gueto o a campos de concentración o de exterminio, aunque para ello tiene que, en muchas ocasiones, comprar a los judíos para salvarlos de su cruel destino en aquella época.
Fuente:
www.wikipedia.org




Violines en el cielo.

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Fuente: www.cinevistablog.com
Por José Ubillus



“Toda una visión poética que hizo merecedora a esta cinta del Oscar como mejor película extranjera en 2009″.



Como herencia ancestral del Shintoismo, el pueblo japonés practica aún el Nokan, arte funerario tradicional que consiste en limpiar y maquillar a los difuntos con el respeto del ritual nipón, frente a sus familiares.



La emotiva película de alto contenido humano Violines en el cielo (Ukuribito/The Departures) trata una historia sobre esta temática en forma magistral. La aceptación de la muerte con el amor y disciplina propia de los orientales, para que en la supuesta vida del más allá se prosiga con valores.



Un drama fílmico que merece elogios por la forma como plasma las emociones humanas ante lo irremediable, por su banda sonora de música clásica, su simbolismo extraordinario con la muerte como reconciliadora de conflictos emocionales, el baño purificador, las piedrecillas impregnadas de mensajes que se intercambian y el vuelo de los gansos que se desplazan como los recuerdos.



Su argumento narra las vicisitudes de Daigo (Masahiro Motoki) que al disolverse la orquesta donde se desempeña como violonchelista, se dirige a su pueblo natal con su esposa y consigue trabajo como aprendiz de nokanshi, al inicio se siente impuro y sucio por estar en contacto con cadáveres y enfrenta la inexperiencia y el rechazo de su oficio ante la sociedad, pero aún así lo hace con dignidad hasta sentir la importancia de su labor porque aprende a tocar cada cuerpo yerto con la misma armonía que tocaba el chelo y comparte los complejos sentimientos que se producen ante la pérdida irreparable de un pariente amado.



El director Yojiro Takita consiguió con su obra lo que el cine japonés no lograba desde 1956 cuando se otorgó el Oscar al Samurái legendario dirigida por Inagaki.



Es gratificante ver un film de tanta belleza y sutileza.



Comentario Sandra Ríos – Editora Contenido

Violines en el Cielo es un bálsamo para el espíritu. Su belleza en el contenido y su bellaza visual así lo demuestran. Merecedora con toda su fuerza al Oscar como Mejor Película Extranjera el año pasado, es una película inspiradora que trata el tema de la muerte de un ser y su despedida de este mundo terrenal con extrema dignidad y conmovedora naturalidad. Violines en el Cielo es un canto a la vida, un himno a la muerte, un golpe certero y contundente a la cultura occidental sobre nuestros prejuicios y temores hacia ese tema.




MILLENIUM 2. La chica que soñaba con un cerillo y un galon de gasolina.

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Lisbeth Salander es la mujer más buscada del país. Dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia, han sido brutalmente asesinados y las huellas de Lisbeth están en el arma homicida, lo que añadido a su historial de comportamiento vengativo e impredecible, la convierten oficialmente en un peligro para la sociedad. Sin embargo, nadie puede encontrarla.

Mientras, Mikael Blomkvist, editor jefe de Millennium, no cree lo que se dice en las noticias y sabiendo que Salander es feroz cuando se siente amenazada, está desesperado por encontrarla antes de que la acorralen. A medida que encaja las piezas del puzzle, Blomkvist se enfrentará a peligrosos criminales incluyendo al gigante rubio, un temible y enorme matón incapaz de sentir dolor.Blomkvist saca también a la luz algunos datos desgarradores sobre el pasado de Salander. Puesta en manos de instituciones psiquiátricas desde los 12 años y declarada legalmente incapacitada a los 18, es una joven deshecha y confundida producto de un sistema injusto y corrupto. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido. Fuente: www.lahiguera.net

MILLENIUM 1. Los hombres que no amaban a las mujeres

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Hace 40 años, Harriet Vanger desapareció de una reunión familiar en la isla que pertenece y es habitada por el poderoso clan Vanger. Su cuerpo nunca se encontró, sin embargo su tío está convencido de que fue asesinada y de que el asesino es un miembro de su propia familia, una familia unida y a la vez disfuncional.

Contrata entonces a Mikael Blomkvist, periodista caído en desgracia y a la tatuado y salvaje hacker informática Lisbeth Salander para investigar el caso.Será cuando la pareja relaciona la desaparición con un número de grotescos asesinatos de hace cuarenta años, cuando comiencen a desentrañar una oscura y horrible historia familiar.Pero los Vanger son una familia reservada, y Blomkvist y Salander están a punto de averiguar lo lejos que están dispuestos a llegar para protegerse. Los Hombres que no Amaban a las Mujeres es la primera parte de la trilogía de novelas Millennium, escrita por Stieg Larsson, y que ha vendido más de diez millones de ejemplares en todo el mundo. Por desgracia, Larsson no vivió para ver el fenómeno en que se ha convertido su obra y murió repentinamente en 2004 poco después de entregar los manuscritos a su editor sueco. Fuente: www.hoycinema.com

Mas allá de la vida.

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Reseña: Más allá de la vida con Bryce Dallas Howard

Dentro de la sólida filmografía de Eastwood, esta cinta es la primera que coquetea con el New Age. Tres personas en diferentes partes del mundo (un obrero, una periodista y un niño) tienen que lidiar con los vacíos y preguntas que les deja el paso de la muerte a su alrededor. El axis mundi se encargará de que encuentren consuelo tras una largo duelo entre los vivos y los mensajes ocultos de los difuntos.

Sinopsis aparte, la reunión del equipo para esta producción es suficiente para hacerla atractiva. Sobre todo porque su principales ejes están experimentando cosas nuevas. Matt Damon, a la cabeza del reparto, destaca como un hombre solitario con la facultad para hablar con los fallecidos; un aclamado guionista especializado en enredos políticos, como Peter Morgan (La Reina, Frost/Nixon), ahora se mete a los territorios inexplorados del más allá, y un director dos veces ganador del Oscar que, si bien ha retratado los dramas humanos y los conflictos causados por la muerte como en Río místico o Golpes del destino, jamás los había llevado a los campos de lo metafísico.

Una tremenda secuencia inicial golpea con la recreación de un tsunami, utilizando hábilmente los encuadres que usaron aquellos testigos in situ, para mejorar su realismo. Pero después de esa enorme tormenta viene la calma. Nos exponemos a una narración a tres pistas que al irse cerrando, trastabilla cuando quiere cruzarse. No es falta de emotividad, sobre todo en el trabajo de los pequeños ingleses, sino que después de darle tanto peso a la vida después de la muerte, ésta pasa a segundo plano para inclinar la balanza hacia los conflictos puramente terrenales. Es por eso que, en la escena final, cuando se debería englobar con el poder que estos temas traen consigo, todo se queda en suposiciones que, al parecer, ni el director estaba convencido cómo mostrarlo. Para las historias de diálogos entre vivos y muertos, no aporta nada nuevo, poco alimenta una posible historia de amor. Se nota que no es lo más destacado de Eastwood, pero sí deja un halo de nostalgia que se disfruta, hasta podría ponerte a reflexionar… pero que se evapora pronto. Fuente: www.diariotwilight.com

CONTROL (Director: Anton Corbjin)

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!!EXCELENTE¡¡


SINOPSIS

Basada en las memorias Touching from a Distance, de Deborah Curtis, la película de Anton Corbijn se convierte en un excelente retrato de la historia de Joy Division y de su líder Ian Curtis. Corbijn narra la historia de Joy Division como cualquier fan podría esperar. Pero Control no es sólo eso, va mucho más allá. Corbijn nos presenta una bella película sobre las catastróficas consecuencias del amor y del arrepentimiento, y de la salvación que todos buscamos en el arte. Surgidos tras la exitosa irrupción del punk de los Sex Pistols, Joy Division, con su sonido oscuro, representaban la versión minimalista del nuevo sonido emergente. Sus integrantes no tardaron en convertirse en héroes de culto, en parte gracias a su atormentado líder, Ian Curtis (interpretado por un brillante Sam Riley). Corbijn hace un magnífico trabajo recreando la música y los directos de la banda, acercándonos toda su esencia. Gran parte del mérito se debe a los tres actores que interpretaron a los otros tres miembros de Joy Division. Eran ellos los que tocaban todos los instrumentos, captando perfectamente la fuerza y la presencia de la banda, que trasladaba a sus directos y a sus discos el sonido propio de una crisis existencial. A través de Control, también somos testigos de su compleja relación matrimonial con Deborah Curtis (Samantha Morthon) y asistimos a una estética manifestación de su dolor, tanto físico como emocional. Corbijn evoca el dolor y el aislamiento de Curtis con honestidad y sutileza. Como fotógrafo que es, Corbijn hace cada plano con un realismo total, en blanco y negro, como si se tratara de una foto perteneciente a un album que el público nunca debería ver, haciendo así el dolor de Curtis más evidente y su suicidio mucho más trágico. Es difícil no comparar el suicidio de Kurt Cobain con el de Curtis, pero mientras siempre se ha hablado de que el suicidio del líder de Nirvana fue debido a la enorme presión que sentía, debido a su status de estrella del rock, el de Curttis, tal y como nos la cuenta Corbijn, fue debido a un dolor tan grande por el que nadie podría pasar. fuente: lahiguera.net

Corbijn utiliza estos hechos en un intento por explicar que fue lo que le llevó a ahorcarse, con tan sólo 23 años.

HOMICIDIO EN PRIMER GRADO

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* UNA PELICULA EXCELENTE CON UNO DE MIS ACTORES FAVORITOS "KEVIN BACON".


RESEÑA.

Inspirada en una historia real en los años 30s, cuenta los hechos que vivió Henri Young (interpretado por Kevin Bacon), un modesto ladrón que tras robar 5 dólares de una oficina de correos, es condenado a prisión, debiendo cumplir su condena en Alcatraz, la prisión de máxima seguridad para los más peligrosos criminales.
Luego de un frustrado intento de fuga, Henri es puesto en la celda de confinamiento, donde el castigo máximo es de 19 días. Pero Henri pasó años allí, completamente solo y en la oscuridad.Cuando finalmente es liberado, se ha convertido en un salvaje y en un asesino.
El joven abogado James Stamphill (Christian Slater), es asignado para defenderlo luego de que Henri asesina a otro prisionero; e intentará probar que la prisión de Alcatraz es culpable del estado mental de su cliente y que, por lo tanto, no debe ser ejecutado.
Fuente: www.biografias.es

EL GRAN TRUCO

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!!!UNA PELICULA EXCELENTE¡¡¡
Sinopsis:

Todo comienza en el agitado Londres de finales del siglo XIX. En una época en la que los magos son los ídolos más reconocidos, dos jóvenes magos se proponen labrar su propio camino a la fama. El ostentoso y sofisticado Robert Angier es un consumado artista, mientras el rudo purista Alfred Borden es un genio creativo que carece de la desenvoltura necesaria para mostrar al público sus mágicas ideas. Al principio, son dos compañeros y amigos que se admiran mutuamente. Sin embargo, cuando el mejor truco de ambos se echa a perder, se convierten en enemigos irreconciliables e intentan por todos los medios superar al otro y acabar con él. Truco a truco, espectáculo tras espectáculo, se va fraguando su feroz competición, que ya no conoce límites: llegan incluso a utilizar los nuevos y fantásticos poderes de la electricidad y la brillantez científica de Nikola Tesla, mientras la vida de todos los que les rodean pende de un hilo. Llena de sorpresas y revelaciones dignas de un prestidigitador, la película ahonda en un mundo fascinante en el que se exploran los más lejanos y oscuros límites de la fe, la confianza y lo posible. Fuente: abandomoviez.net

SIEMPRE A TU LADO - HACHIKO.

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ESTE MIÉRCOLES ACUDÍ AL CINE A VER UNA PELÍCULA QUE ME RECOMENDÓ UNA AMIGA. UNA HISTORIA BASADA EN HECHOS REALES, UNA PELÍCULA QUE EN LO PARTICULAR ME GUSTO MUCHO CON UNA ASCENA DESGARRADORA QUE ME PROVOCO UN NUDO EN LA GARGANTA (AVER SI LA UBICAN). TAN SOLO UNA OPCIÓN MÁS PARA ESTE LARGO PUENTE. !LEALTAD¡

"Hachiko: A Dog’s Story" es un remake dirigido por Lasse Hallström de la película japonesa "Hachiko monogatari", la historia real de un perro que esperaba a su dueño cada día en la estación. Cuando su propietario falleció, el animal siguió yendo a recibirlo durante diez años.

El perro se hizo tan famoso que ahora hay una estatua de él en la estación de Shibuya, precisamente en el lugar donde solía esperar. En esta nueva versión, Richard Gere interpreta a un profesor universitario que acoje a Hachiko, luego de encontrarlo en la estación.

Hachiko empezará una nueva vida al lado de su nuevo amo, pero a éste también le cambiará la vida al descubrir los lazos que se pueden crear entre un animal y una persona.

DANCER IN THE DARK (BAILANDO EN LA OSCURIDAD)

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DANCER IN THE DARK ES MI PELÍCULA FAVORITA, LES CONFIESO QUE LA VI SOLO PORQUE SALÍA LA CANTANTE ISLANDESA "BJÖRK" (que es una de mis consentidas) PERO CUANDO VI LA PELÍCULA REBASO TODAS MIS ESPECTATIVAS, A ESTO LE SUMAMOS UNA MUY BUENA BANDA SONORA A CARGO DE LA MISMA "BJORK" CON UNA BELLISIMA CANCIÓN A DÚO CON EL VOCALISTA DE RADIOHEAD TOM YORKE....... HE AQUÍ UNA RESAÑA
SINOPSIS. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2000 a la mejor película (y premio de mejor actriz a Björk), llega al cartel este melodrama musical de Lars von Trier que explora al máximo la situación emocional de Selma, una emigrante checa que trabaja desapasionadamente en América y tiene a su hijo enfermo. Su alegría está en los musicales de cine, pero Selma está perdiendo la vista.
CRÍTICA por Raúl S. Pedraz

Cine elevado

Los milagros no existen. Y de existir, serían consecuencia directa de esa fe ciega que desemboca en devoción absoluta hacia una figura de imprecisa naturaleza, que supera las limitaciones del hombre e interviene, por tanto, en el mundo de los mortales. Pues bien, desde esta concepción de lo milagroso emerge Dancer in the dark como prodigio artístico de deslumbrante genialidad e insoportable dolor. Así es. Lars von Trier ya avisaba cuando esclavizó a Bess a un viaje sin retorno físico por unas olas que rompían con furia ante sus sobrecogedores gritos. Pero ahora, y cerrando la Trilogía del Corazón de Oro, el director danés nos somete a la visión de Selma, emigrante checoslovaca enamorada de los viejos musicales americanos y dueña de un drama en forma de secreto. Selma, madre de un hijo, padece una ceguera congénita, de irremediable efecto para ella pero de posible salvación para su descendiente. Es entonces cuando comprendemos que su hijo es lo que Bess tenía en su marido y Karen en sus idiotizados compañeros: el porqué de su autoinmolada existencia. Una razón por la que sufrir más allá de explicaciones racionales y que transforman, por medio del sacrificio, lo humano en deidad.

Al igual que sus predecesoras, Selma se entrega en cuerpo, alma y espíritu para salvar de las tinieblas a su hijo. Al mismo tiempo, la demoledora batuta del genio Von Trier hace que su vida, calmosa hasta el momento, se quiebre definitivamente cuando tropiece con la muerte. Es entonces cuando todo converge: el escalofriante y visionario melodrama, la insultante osadía de su propuesta formal, la coexistencia de recursos contradictorios, el ego de Von Trier bebiendo de la fuente dreyeriana y la impagable entrega de Björk para hacer de Selma no un personaje a interpretar, sino una piel que encarnar. Una piel azorada por su creador, desgarrada por su destino y maltratada por la vida. Björk no interpreta, padece. Y nosotros con ella.

Dancer in the dark evoluciona al ritmo marcado por Björk, autora de una banda sonora que une atrozmente drama y melodía en su tercio final, y que tiene en los acordes de I’ve seen it all y de 107 steps las claves para comprender lo que estamos presenciando, el nacimiento de un nuevo ángel al que la cámara acompaña desde su cegada obertura. Ella, Selma, proyecta en su escenario vital lo que dicta su corazón: musicales al ritmo de los ruidos de la vida. Ella, la vida, responde sin piedad.

Si el cine muriese hoy, Dancer in the dark proyectaría las últimas imágenes capaces de obrar el milagro de la resurrección del alma a través de una propuesta que reinventa la gramática con la que se escriben sus arrebatadoras escenas. Y es que esta colisión de genios ha creado un cine elevado, cine que atrapa lo milagroso hasta hacerlo suyo. Entonces, y con cegadora maestría, nos lo arrojan al cuello sin que seamos capaces de verlo.

SUEÑO DE FUGA

Author: Unknown / Etiquetas:

* Platicando con una muy buena amiga me hizo recordar mis películas favoritas, Sueño de fuga es una de mis dos películas predilectas, les anexo una sinopsis que me encontré para que se animen a verla, estoy seguro que si la consiguen y la ven no los defraudara. ¡¡¡ ESPERANZA !!!

Andy Dufresne (Tim Robbins) es declarado culpable por un crimen que no cometió: el asesinato de su esposa y su amante. Es así como va a parar a la prisión de Shawshank donde debe pagar doble cadena perpetua. Desde el momento de su recibimiento él percibe el clima tan agobiante que se respira en el penal. El director y sus secuaces maltratan a los presos con castigos físicos violentos, los cuales muchas veces los llevan a la muerte. Con una fortaleza espiritual inigualable, Andy se mantiene firme en su sueño de escapar, sueño que es muy personal y no lo comenta con nadie, pues a pesar de su gran amistad con Red (Morgan Freeman), nunca habla de ello. Solo algunas frases como "La esperanza es una buena cosa, y las buenas cosas nunca mueren".
Red lleva ya veinte años en prisión en 1947, año en el que ingresa Andy. Es un hombre “institucionalizado” como el mismo se llama. Tiene la fortaleza de conseguir cualquier cosa para sus clientes internos, desde cigarrillos hasta un afiche de Rita Hayworth que le consigue a Andy. También le consigue una martillo para tallar figuras en piedra que es el pasatiempo de Andy y lo que lo ayuda a sobrevivir en esa horrenda celda.
La amistad de estos dos hombres tan distintos en su formación y principios será clave para el apoyo mutuo, pues cuando Andy consigue que lo transfieran al cargo de bibliotecario llevará a Red como ayudante y cuando Red consigue que lo asignen para trabajar en la reparación del techo de uno de los edificios también llevará a su grupo de amigos, entre los cuales por supuesto está Andy.
El tiempo en el cual se desarrolla la historia es muy largo (veinte años), sin embargo la trama está muy bien montada y nunca se encuentran baches o situaciones que hagan perder el hilo de la misma. Además de la impecable actuación de los dos protagonistas, que podemos decir son unos verdaderos maestros del arte de la personificación escénica.
Esta película filmada en 1994, es tan impactante y bien realizada que está catalogada como la número 1, en la lista de Top 250 Movies of All Time en la lista de IMDb, como un merecido tributo a esta historia basada en el cuento de Stephen King: “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”. Fue nominada a siete premios Oscar, desafortunadamente no ganó ninguno porque ese año “Forrest Gump" arrasó con los premios.